Desactivando el plátano colgado en la pared: Hacia una nueva gramática del arte contemporáneo

EDITORIAL | ABEL GROPIUS

El arte contemporáneo se encuentra en una paradoja. Por un lado, proclama la libertad, la experimentación y la ruptura con las normas; por otro, opera dentro de un sistema rígidamente codificado, donde el valor de una obra no reside en su fuerza intrínseca, sino en su recorrido a través de exposiciones, críticas, colecciones y retrospectivas. Es un sistema que premia la conformidad y castiga la disonancia, que certifica con un sello azul lo que vale la pena ver y comprar, y excluye a quienes no encajan. 

Un problema antiguo, pero aún actual

No siempre ha sido así, pero casi lo ha sido. En la antigüedad, los mecenas religiosos y políticos decidían qué constituía el arte. En el Renacimiento, eran los mecenas. En el siglo XIX, eran las Academias y los Salones. En el siglo XX, las vanguardias intentaron socavar el sistema, pero fueron rápidamente absorbidas y canonizadas. Hoy, la legitimidad proviene de una red de instituciones, mercados, medios de comunicación y redes sociales. Las masas desempeñan un papel, pero marginal. La brecha entre el arte y la comunidad sigue siendo amplia.

¿Por qué siguen siendo necesarios intermediarios?

La justificación más común es la "singularidad" del arte: un lenguaje complejo, difícil de leer, que requiere traductores. Pero esta explicación no es suficiente. Lenguaje conceptual : las obras de arte visual contemporáneo tienen códigos filosóficos y teóricos que requieren mediación. Dimensión económica : las obras únicas o ediciones limitadas requieren garantías de autenticidad y valor. Prestigio social : coleccionar arte también implica estatus, y los expertos mantienen un aura de exclusividad. Fragmentación del público : sin intermediarios, el arte correría el riesgo de dispersarse en micronichos incapaces de generar consenso.

Las falsas revoluciones

La política actual tiene poco poder real: puede influir en exposiciones y muestras, pero a menudo renuncia a la propaganda. Los NFT prometían desintermediación, pero resultaron ser más especulación que revitalización. Las galerías en línea han bajado los precios, pero han conservado ese aura de autorreferencialidad. El sistema, en resumen, es indesmantelable: metaboliza cualquier intento de disrupción y lo transforma en convención.

El verdadero quid de la cuestión

El coleccionista, en última instancia, busca un refuerzo positivo: la certeza de que su elección será reconocida, validada y recompensada. Es humano. Pero esta dinámica mantiene al arte dependiente de intermediarios. La distancia entre el arte y la comunidad no surge de la singularidad de la obra, sino de la necesidad de seguridad y consenso.

Hacia una nueva gramática del arte

Si queremos cerrar esta brecha, necesitamos soluciones concretas. No basta con denunciar, hay que proponer.

1. Crítica independiente y transparente

Crear plataformas de crítica independientes del mercado y las instituciones, capaces de ofrecer lecturas diversas y accesibles. Una crítica que no sea cómplice, sino una herramienta de comprensión.

2. Recolección responsable

Fomentar una cultura de coleccionismo que trascienda el valor económico, reconociendo el valor cultural y social de la obra. Fomentar la compra directa a artistas emergentes, con herramientas de certificación ética y digital que garanticen la autenticidad sin necesidad de un sello azul.

3. Educación estética generalizada

Integrar el arte contemporáneo en los programas educativos, no como una disciplina elitista, sino como un lenguaje común. Brindar al público herramientas para leer e interpretar el arte sin necesidad de intermediarios.

4. Espacios de experimentación accesibles

Creamos espacios, físicos y digitales, donde artistas y público pueden encontrarse sin filtros. Talleres, residencias y plataformas colaborativas que fomentan el contacto directo y la participación.

5. Reconocimiento de la pluralidad

Acepte que no existe un canon único. El arte digno no solo es el certificado por las instituciones, sino también el que surge en las periferias, en los márgenes, en contextos no canónicos. Dar espacio a esta pluralidad significa cerrar la brecha.

Entonces ¿qué hacemos?

El sistema del arte actual es un organismo que metaboliza todo intento de revolución. Pero no es invencible. El verdadero reto no es inventar un nuevo urinario, sino construir un lenguaje que escape a la captura, que no pueda traducirse fácilmente a un sello azul.

Necesitamos una nueva gramática del arte: crítica independiente, coleccionismo responsable, educación estética generalizada, espacios accesibles para la experimentación y reconocimiento de la pluralidad. Solo así el arte podrá volver a ser lo que debería ser: riesgo, lenguaje, resistencia, auténtica experimentación e investigación. No un algoritmo de consenso, sino una voz viva. No un sello azul, sino un gesto que habla al mundo.

Hay libros que no solo describen el arte contemporáneo , sino que lo cuestionan, lo perturban y lo desenmascaran . No son neutrales ni complacientes. Están escritos por autores que han vivido dentro del sistema, lo han transitado y han reconocido sus contradicciones: autorreferencialidad, codificación y dependencia de la lógica del mercado y los mecanismos de legitimación.

Uno de los más emblemáticos es " Dentro del Cubo Blanco de Brian O'Doherty , que analiza el papel del espacio expositivo como dispositivo ideológico. El " cubo blanco " no es solo un contenedor, sino un filtro que neutraliza la disidencia y transforma cada obra en un objeto para ser contemplado, aislado del mundo. Es un texto que marcó un antes y un después, ya que muestra cómo el contexto puede vaciar el contenido.

Francesco Bonami, con Arte en el Baño. De Duchamp a Cattelan, Auge y Caída del Arte Contemporáneo , adopta un tono mordaz e irónico para describir el conformismo rampante en el mundo del arte. Bonami no perdona a nadie: artistas, comisarios, coleccionistas, todos atrapados en una danza de complacencia y visibilidad. Su perspectiva es la de alguien que conoce el sistema desde dentro, pero no es su prisionero.

¿ Por qué la gente sigue humillándose pintando cuadros horribles y escribiendo novelas ilegibles? Porque todos queremos escuchar una historia, historias, no hoy ni mañana, sino a lo largo de nuestra vida. Cuando no hay nadie que nos las cuente, intentamos inventarlas nosotros mismos pintando un cuadro o escribiendo un libro. No importa si la historia que hemos inventado es bella, interesante o cautivadora; lo importante es que sea una historia. Mientras necesitemos una historia, seguiremos pintando cuadros, escribiendo libros, como este quizás, que no es una verdadera historia de la pintura, sino la historia de la pintura tal como me hubiera gustado escucharla, y que espero que alguien, de hecho muchos, encuentren al leerla agradable y entretenida . De Bello, Sembra un Pittura. Contrahistoria del Arte, Francesco Bonami.

Así que riámonos de ello, pero con claridad. Porque si el arte contemporáneo ha dejado de buscar la belleza, la obra bien hecha, el pensamiento plasmado en la forma, no es por evolución, sino por abdicación. Si ha renunciado a la comunicación, a lo trascendente, a la responsabilidad del gesto, no es por libertad, sino por complicidad. El sistema ha construido su propio sacramento, ha canonizado a los sgunz y ha protegido el ritual. Y quien se atreva a objetar es excomulgado con sarcasmo, con conmiseración, con silencio.

Pero el tiempo, como escribe Crespi, es buen juez. Y quizá, dentro de unas décadas, la Turbo Cloaca se exhiba junto a los cuernos disecados de la Wunderkammer , como testimonio de una época que confundía el ruido con el pensamiento, la provocación con la visión, el mercado con el significado.

La resistencia no es moralismo. Es un deseo de significado. Es la voluntad de reconstruir un perímetro, no de excluir, sino de reconocer. Porque el arte, si aún quiere ser arte, debe volver a hablar. No solo para sorprender. Debe volver a mostrar el mundo, no solo para imitarlo. Debe volver a ser gesto, forma, pensamiento. Y si esto significa reírse a sus espaldas, que sea una risa que abra, no que cierre. Una risa que desactive el dogma y restaure la voz del arte y su denuncia.

Con su característica claridad cautivadora, Francesco Bonami nos lleva al borde del abismo del arte contemporáneo , donde el gesto final no es , sino una pose de catálogo . Nos recuerda que, por mucho que nos esforcemos en perseguir la idea más audaz, el concepto más inquietante, el proyecto más irrealizable, lo que queda a menudo es un eco estéril, un ejercicio estilístico que ha perdido su pulso.

Y así, tras un siglo de provocaciones, de urinarios invertidos e inodoros dorados, tras la orgía conceptual y la bulimia curatorial, Francesco Bonami y muchos otros nos invitan a volver al gesto simple, pero no banal. A ese niño de Charles Ray que, inmóvil en el suelo, hace viajar al mundo en un coche de juguete. Porque el arte, si aún quiere tener sentido, ya no debe sorprendernos: debe adentrarnos en una historia. Debe hacernos embarcar en un viaje. Sin movernos. Sin gritar. Sin sellos.

Ésta es la tarea del arte del futuro: no añadir ruido, sino restaurar la voz y la denuncia.